Un voyage à Bahreïn, clé du succès pour Cartier

Jacques Cartier et des marchands de perles à Bahreïn en 1912. (Fourni)
Jacques Cartier et des marchands de perles à Bahreïn en 1912. (Fourni)
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Publié le Vendredi 23 décembre 2022

Un voyage à Bahreïn, clé du succès pour Cartier

  • Au début du XXe siècle, les perles étaient un signe de richesse et de pouvoir; elles ornaient les poignets, les décolletés et les têtes des membres de la famille royale et des mondains
  • Selon feu le grand-père de Brickell, Jean-Jacques Cartier, qui a vendu l'entreprise dans les années 1970, 60% des créations de Cartier comportaient des perles naturelles

LONDRES: En 1916, une jeune femme nommée Maisie Plant pose ses yeux sur le collier le plus cher du monde. Il vaut un million de dollars, l'équivalent de plus de 27 millions de dollars aujourd'hui (1 dollar = 0,94 euro). Exposé dans la vitrine de la marque de joaillerie française Cartier à New York, le collier comporte deux rangs d'une centaine de perles brillantes. Ce qui s'est passé ensuite, c'est une affaire stupéfiante entre le joaillier de la troisième génération Cartier, Pierre, et le mari beaucoup plus âgé de Maisie, le financier américain Morton Plant.
Plant possédait une maison de ville – également évaluée à un million de dollars – sur la très chic Cinquième Avenue de New York. Les deux hommes ont conclu un accord: Plant donnerait à Cartier sa maison de ville en échange du collier. L'élégant hôtel particulier a été transformé en une toute nouvelle boutique Cartier, où il se trouve encore aujourd'hui.

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La reconstitution d'une image ancienne montre Francesca Cartier Brickell avec les descendants des quatre marchands de perles que Jacques Cartier a rencontrés en 1912. (Fourni)

Au début du XXe siècle, les perles étaient un signe de richesse et de pouvoir; elles ornaient les poignets, les décolletés et les têtes des membres de la famille royale et des mondains. «Les perles, c'était ça. C'est ce que tout le monde voulait, plus que tout autre chose, peut-être comme les diamants aujourd'hui», déclare à Arab News Francesca Cartier Brickell, l'auteure anglaise de The Cartiers et descendante directe de la famille. «Les perles étaient les objets les plus précieux du monde. Une perle avait quatre fois plus de valeur qu'un diamant de la même taille.»
Selon feu le grand-père de Brickell, Jean-Jacques Cartier, qui a vendu l'entreprise dans les années 1970, 60% des créations de Cartier comportaient des perles naturelles. Cela a été en grande partie rendu possible grâce à un voyage à Bahreïn, «le pays des Perles», effectué par Jacques Cartier, le plus jeune des trois frères Cartier, en 1912.

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Une photographie du début du XXe siècle montre une femme qui arbore des bijoux en perles de Cartier. (Fourni)


À l'époque, la société Cartier comptait trois grandes boutiques à Paris, Londres et New York, qui étaient réparties entre les trois frères. Brickell a trouvé leurs vieilles lettres dans une malle à la résidence de son grand-père. Elle a été émue par l'ambition et par la détermination des frères.
«Le lien entre les frères était saisissant», confie-t-elle. «Ils entretenaient ce rêve depuis leur plus jeune âge: construire la première entreprise de joaillerie au monde. C'est remarquable de voir de jeunes garçons transformer leur rêve en réalité. Cela semble à un conte de fées, mais c’est bel et bien la façon dont cela s'est passé.»
Pierre et Louis sont considérés comme les génies du design et des affaires de la marque, tandis que Jacques, un expert en pierres précieuses qui dirige la succursale de Londres – est moins connu. On dit de lui qu'il était un homme sage et spirituel; il voulait devenir prêtre catholique, et non joaillier. Il a également risqué sa vie en combattant au front pendant la Première Guerre mondiale, malgré sa tuberculose.

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Francesca Cartier Brickell avec le propriétaire de Mattar Jewelry, à Bahreïn, une entreprise familiale visitée par son arrière-grand-père en 1912. (Fourni)


Jacques adorait les voyages, qui étaient essentiels pour la croissance et l'innovation de Cartier. Il s'est rendu en Égypte, où il a acheté de petits ornements. Au Sri Lanka, il a visité des mines et s'est procuré des saphirs. L'Inde a également été une destination importante. Cartier entretenait des liens étroits avec plusieurs maharajas et l’intérêt des Indiens pour les couleurs vives allait inspirer les bijoux de Cartier dans les années 1920 et 1930, combinant rubis, saphirs et émeraudes.
Avec l'aide d'un traducteur, Jacques s’est immergé dans les lieux qu'il a visités.
«Lorsqu'il arrive dans les mines de saphir, il veut vérifier qu'elles sont bien aménagées et que les hommes qui y travaillent se trouvent vraiment en sécurité», raconte Brickell. «Il ne se contente pas d'entrer et de sortir pour essayer d'obtenir les bijoux ou de faire le meilleur commerce: il s'intéresse véritablement aux gens.»


Lorsque Jacques visite le Moyen-Orient, il est fasciné par son architecture unique et dessine des croquis dans ses journaux intimes. «Il l’observe avec l'œil d'un artiste», explique Brickell. «C'est ça, Jacques: quand il visitait un endroit, il ne se contentait pas de le visiter et d’en savourer la cuisine et de rencontrer les gens. Sa bibliothèque est remplie de livres sur les religions, les cultures et les costumes. Il voulait vraiment comprendre la culture de l'intérieur.» Finalement, des motifs architecturaux de la région ont été intégrés dans les horloges et les boîtes à cigarettes de Cartier.
Le voyage de Jacques à Bahreïn est motivé par la concurrence des frères parisiens Rosenthal, qui avaient déjà conclu un accord exclusif pour acheter des perles directement à la source. Jacques convient avec Louis qu'il doit s'arrêter à Bahreïn sur le chemin du retour de l'Inde pour participer à cette opération. «Les meilleures perles viennent du Golfe», estime Brickell.


C'était la première fois que Jacques se rendait à Bahreïn, où la plongée perlière constitue l'épine dorsale de l'économie. Il est monté dans des bateaux de pêche aux perles et a parlé avec des plongeurs. Il a visiblement vécu un choc culturel, notamment en mangeant assis par terre. Il existe une rare photographie en noir et blanc de lui, vêtu d'un costume élégant et tenant une cigarette, assis entre quatre éminents marchands de perles de Bahreïn.
Jacques a scellé l'affaire et, pendant de nombreuses années, les perles ont généré une part importante des revenus de Cartier – la marque était présentée comme «importatrice de perles». Cependant, les choses se sont gâtées lorsque, des années plus tard, les perles de culture ont torpillé le marché et fait chuter la valeur des perles naturelles. «C'était terrible pour Cartier», souligne Brickell. «Mon grand-père pensait que c'était pire que la Grande Dépression».


Plus d'un siècle plus tard, Brickell a entrepris le voyage à Bahreïn en suivant les traces de son arrière-grand-père et en utilisant son journal intime comme guide. C'était aussi sa première visite sur l'île du Golfe. Elle y a donné des conférences et a pratiqué la plongée perlière. Elle a constaté à quel point ce métier est difficile.
«Les perles proviennent des fonds marins. Ce n'est pas forcément un début glamour, comparé à l'endroit où elles finissent. C'est important de s'en souvenir», déclare-t-elle.
Brickell avait été en contact avec certains des descendants des marchands de perles qui figurent sur la photo de Jacques et elle a fini par les rencontrer pour reconstituer l'image de leurs ancêtres de 1912. «C'était incroyablement émouvant», se souvient Brickell. «J'ai eu les larmes aux yeux, car toutes leurs familles étaient là. C'était tout simplement incroyable de penser que tous nos ancêtres se connaissaient, que ce lien survit à travers les générations.»
Décrit autrefois comme «le joaillier des rois et le roi des joailliers», Cartier a été porté par des personnalités telles que Jackie Onassis, Elizabeth Taylor et la princesse Diana. Brickell pense que l'un des principaux secrets du succès durable de Cartier réside dans les valeurs familiales de l'entreprise.
«Ils ont fini par se forger lentement une clientèle, mais aussi par se doter d’ employés fidèles», précise-t-elle. «Ils prenaient soin de leurs employés, qui étaient tellement fiers de travailler pour Cartier.»
Brickell a abandonné sa carrière d'analyste financier pour écrire un livre sur l'histoire remarquable de sa famille. Cartier a été fondée comme une modeste start-up avec peu d'argent il y a cent soixante-quinze ans et elle a survécu à des pandémies, des révolutions politiques, deux guerres mondiales et des récessions financières mondiales.
«C'est une histoire de résilience et d'ambition. Tout n'est pas parfait. Il y a des disputes familiales et des déchirements», raconte encore Brickell. «Je voulais partager cette expérience. J'avais l'impression que je le leur devais.»

Ce texte est la traduction d’un article paru sur Arabnews.com


Plus de 300 candidatures, sept finalistes : JD Malat Gallery met à l’honneur la scène artistique des Émirats

Les œuvres des sept artistes retenus dans le cadre de l’initiative « Made in the UAE » seront présentées à la JD Malat Gallery Dubai à partir du 11 juin 2026. (fournie)
Les œuvres des sept artistes retenus dans le cadre de l’initiative « Made in the UAE » seront présentées à la JD Malat Gallery Dubai à partir du 11 juin 2026. (fournie)
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  • JD Malat Gallery Dubai a sélectionné sept artistes résidant aux Émirats arabes unis parmi plus de 300 candidatures reçues dans le cadre de l’appel à projets « Made in the UAE »
  • Leurs œuvres seront présentées lors d’une exposition collective qui ouvrira le 11 juin 2026 à Downtown Dubai, mettant en lumière la diversité de la scène artistique contemporaine du pays

DUBAÏ: JD Malat Gallery Dubai a annoncé les sept artistes retenus dans le cadre de « Made in the UAE », une initiative curatoriale destinée à mettre en lumière des talents qui contribuent à façonner le paysage culturel contemporain des Émirats arabes unis.

Lancé en octobre 2025, l’appel à candidatures a suscité un vif intérêt à travers le pays, avec plus de 300 candidatures reçues de la part d’artistes résidant dans les différents émirats. À l’issue du processus de sélection, sept finalistes ont été retenus pour participer à une exposition collective qui ouvrira ses portes le 11 juin 2026 au sein de la galerie, située à Downtown Dubai.

Les artistes sélectionnés sont Ahmed Emad (EAU/Égypte), Anila Ashraf (Pakistan), Camelia Mohebi (EAU), Elizaveta Pugacheva (Russie), Samo Shalaby (Égypte/Palestine), Sasan Nasernia (Iran) et Yousif Albadi (Soudan).

De la peinture à la sculpture en passant par des techniques mixtes, leurs travaux explorent des thèmes tels que l’identité, la mémoire, la matérialité et les échanges culturels. Ensemble, ils offrent un aperçu de la richesse et de l’évolution de la scène artistique contemporaine des Émirats.

La sélection a été effectuée par un jury réunissant des figures du monde de l’art et de la culture dans la région, dont Zina Khair, cofondatrice de la Khair Art Collection, Roxane Zand, fondatrice de Zand Fine Arts et ancienne vice-présidente de Sotheby’s pour le Moyen-Orient, Ali Mohammadioun, collectionneur, curateur et fondateur d’E Plus A Atelier, ainsi que Jean-David Malat, fondateur de JD Malat Gallery.

Face à la qualité des candidatures reçues, le jury a décidé d’élargir la sélection initialement envisagée afin d’inclure sept artistes.

« Le niveau des candidatures était exceptionnel et témoigne de la profondeur des talents qui participent aujourd’hui au dynamisme culturel des Émirats arabes unis », a déclaré Jean-David Malat.

« Au-delà de la qualité des œuvres, c’est la diversité des perspectives et des parcours qui a particulièrement retenu notre attention. Ces artistes incarnent l’identité internationale et plurielle qui fait de Dubaï une ville créative unique, » a-t-il ajouté.

 


Un couple saoudien transforme des matériaux du quotidien en œuvres d’art

Hussain Al-Sadah et Sahar Al-Omair transforment des matériaux ordinaires en œuvres d’art complexes qui explorent la mémoire, la culture, les changements environnementaux et les liens humains. (Fourni)
Hussain Al-Sadah et Sahar Al-Omair transforment des matériaux ordinaires en œuvres d’art complexes qui explorent la mémoire, la culture, les changements environnementaux et les liens humains. (Fourni)
Hussain Al-Sadah et Sahar Al-Omair transforment des matériaux ordinaires en œuvres d’art complexes qui explorent la mémoire, la culture, les changements environnementaux et les liens humains. (Fourni)
Hussain Al-Sadah et Sahar Al-Omair transforment des matériaux ordinaires en œuvres d’art complexes qui explorent la mémoire, la culture, les changements environnementaux et les liens humains. (Fourni)
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  • Hussain Al-Sadah et Sahar Al-Omair partagent un langage artistique façonné par la curiosité et la collaboration
  • Sahar Al-Omair : « Notre philosophie artistique repose sur une compréhension profonde du pouvoir de l’ordinaire et du potentiel collectif humain. »

DJEDDAH : Les artistes saoudiens Hussain Al-Sadah et Sahar Al-Omair trouvent de la beauté là où on l’attend le moins.

Depuis leur atelier installé dans leur maison de la province orientale, ce duo mari et femme a développé une pratique artistique fondée sur des milliers d’objets du quotidien que beaucoup ignorent ou jettent : clous, punaises, vis, grains de café et plaques de métal rouillées.

Grâce à des processus minutieux pouvant nécessiter plusieurs mois de travail, ils transforment ces matériaux ordinaires en œuvres complexes qui explorent la mémoire, la culture, les mutations environnementales et les liens humains.

Au cœur de leur démarche se trouve la conviction que la valeur existe souvent dans des éléments que l’on ne remarque pas. « Notre philosophie artistique repose sur une compréhension profonde du pouvoir de l’ordinaire et du potentiel collectif humain », a déclaré Al-Omair à Arab News.

« Chaque punaise, chaque clou ou chaque perle peut sembler insignifiant pris isolément. Pourtant, lorsque des milliers d’entre eux sont assemblés avec soin, ils se transforment en quelque chose de magnifique. 

À travers notre travail, nous montrons comment des éléments négligés ou considérés comme “imparfaits” peuvent s’unir pour composer de remarquables harmonies visuelles, tout comme les actions individuelles, lorsqu’elles sont coordonnées, peuvent accomplir des réalisations extraordinaires. » 

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Hussain Al-Sadah et Sahar Al-Omair transforment des matériaux ordinaires en œuvres d’art complexes qui explorent la mémoire, la culture, les changements environnementaux et les liens humains. (Fourni)

Cette philosophie dépasse largement le choix des matériaux. Nombre de leurs œuvres abordent la mémoire collective, les transformations environnementales, l’identité culturelle et des récits humains oubliés, souvent au travers de processus exigeants qui brouillent les frontières entre démarche artistique, recherche et ingénierie.

L’un de leurs projets les plus ambitieux consistait à réaliser un portrait à partir de 13 000 grains de café usagés. Pour obtenir la gamme de tons nécessaire, les artistes ont passé deux mois à torréfier eux-mêmes les grains, traitant ce processus comme un peintre mélange ses couleurs.

« Nous avons acheté une petite torréfaction et torréfié les grains selon différentes nuances, quelques secondes seulement séparant une teinte d’une autre », explique Al-Omair.

« Nous sommes finalement parvenus à obtenir neuf nuances distinctes, puis nous avons classé les grains comme dans une bibliothèque de couleurs. Les torréfactions légères servaient aux tons beige chaud et brun doux, les torréfactions moyennes aux teintes terreuses plus riches, et les plus foncées aux ombres profondes et aux contrastes. Chaque variation comptait, ce qui a rendu le processus extrêmement expérimental et détaillé. »

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(Fourni)

Leurs œuvres monumentales réalisées avec des clous exigent un niveau de précision similaire. Certaines pièces intègrent plus de 100 000 clous, obligeant Al-Sadah à calculer les dimensions, la répartition du poids et les charges structurelles avant même le début de la production.

« Au départ, ce n’était pas facile du tout », a confié Al-Sadah à Arab News. « Nous ne savions pas par où commencer ni à qui demander conseil. Il a fallu énormément de recherches, vraiment énormément.

Je pense que cette difficulté a été une bénédiction, car elle nous a poussés à expérimenter et à faire preuve de créativité avec les connaissances dont nous disposions. Je suis certain qu’il existe des méthodes plus rapides ou plus simples, mais comme nous ne les connaissions pas, nous avons dû inventer nos propres procédés. »

Le langage visuel des artistes est également profondément influencé par leur environnement dans la région de Qatif, un territoire historiquement marqué par ses oasis, ses palmeraies et son héritage agricole.

« Le calme de l’oasis, la densité des palmiers, les paysages désertiques et les vestiges de l’architecture ancienne ont forgé en nous chez nous une mémoire visuelle très forte », explique Al-Omair.

Elle ajoute que voir nombre de ces éléments disparaître progressivement au fil du temps a eu un impact émotionnel profond sur eux et continue d’influencer leur travail.

Leur prochaine exposition, par exemple, utilisera de la rouille récupérée sur des tôles ondulées en zinc qui dissimulent aujourd’hui les vestiges de la source historique de Darosh, une source d’eau vieille de 2 000 ans dont le déclin est devenu un symbole des transformations environnementales de la région.

« Ce n’est pas la première fois que nous travaillons avec des matériaux considérés comme “laids” ou sans valeur pour les présenter comme des œuvres dignes d’attention », souligne Al-Sadah.

« Le matériau porte déjà sa propre beauté, son histoire et sa présence ; nous ne faisons que les révéler. Ce qui nous intéresse, c’est l’authenticité de la surface elle-même : les textures, les taches, l’érosion, les traces du temps et de l’abandon. Même les dégradations acquièrent une signification visuelle et émotionnelle », explique-t-il.

Le couple s’est rencontré lors d’un atelier artistique en 2021 et a rapidement découvert un langage créatif commun malgré des parcours différents. Al-Sadah travaillait le bois et l’art numérique, tandis qu’Al-Omair se consacrait au dessin et à la composition visuelle.

« Lorsque nous avons commencé à travailler ensemble, la collaboration nous a semblé très naturelle ; notre manière de penser était étonnamment similaire », raconte Al-Omair.

« Nous étions tous deux passionnés par la narration et les détails. Alors que nous discutions d’une œuvre à ses débuts, nous nous sommes retrouvés à la réaliser entièrement ensemble. Depuis, nous travaillons comme un duo d’artistes », ajoute-t-elle.

Aucun des deux n’a suivi de formation artistique formelle, une réalité qui, selon eux, a nourri leur esprit d’expérimentation.

« Comme nous n’avions ni mentors ni cadres établis sur lesquels nous appuyer, nous avons été poussés vers une approche beaucoup plus expérimentale », explique Al-Sadah. « Nous avons dû tout apprendre par nous-mêmes, ce qui a façonné une grande partie de notre démarche. D’une certaine manière, nous nous estimons chanceux d’avoir bénéficié de cette indépendance, même si elle s’accompagnait d’incertitudes. »

Depuis leur mariage en 2022, le couple a réalisé entre 20 et 30 œuvres collaboratives, dont beaucoup nécessitent des mois de recherche, de tests de matériaux et de fabrication.

Au fil du temps, ils ont constitué une communauté fidèle de collectionneurs qui découvrent souvent leur travail directement dans leur atelier.

« Les gens ne viennent pas seulement acheter une œuvre terminée », explique Al-Sadah. « Ils assistent souvent à des fragments du processus, aux expérimentations, aux échecs, aux matériaux et aux histoires qui se cachent derrière chaque réalisation. Cela suscite un lien émotionnel différent avec l’œuvre lorsqu’elle rejoint leur foyer. »

Bien qu’ils soient ouverts à des expositions sur de grandes scènes internationales, ils restent profondément attachés aux paysages, à l’histoire et aux transformations en cours de l’Arabie saoudite.

« Même si nos œuvres voyagent à l’international à l’avenir, nous ne considérons pas cela comme incompatible avec la préservation ou la mise en valeur des récits saoudiens », affirme Al-Sadah.

« D’une certaine manière, plus notre travail est enraciné dans notre environnement et nos expériences, plus il semble toucher un public universel. » 

Ce texte est la traduction d’un article paru sur Arabnews.com


L'artiste franco-iranienne Marjane Satrapi, autrice de «Persepolis», est décédée

 L'artiste franco-iranienne Marjane Satrapi, qui s'est fait mondialement connaître avec la bande dessinée et le film "Persepolis", est décédée à Paris à l'âge de 56 ans, a appris l'AFP jeudi auprès de son entourage. (AFP)
L'artiste franco-iranienne Marjane Satrapi, qui s'est fait mondialement connaître avec la bande dessinée et le film "Persepolis", est décédée à Paris à l'âge de 56 ans, a appris l'AFP jeudi auprès de son entourage. (AFP)
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  • Adversaire acharnée des autorités de Téhéran, Marjane Satrapi avait refusé la Légion d'honneur française en 2025 pour dénoncer "l'attitude hypocrite de la France vis-à-vis de l'Iran"
  • "Depuis un moment, j'ai réellement du mal à comprendre la politique de la France vis-à-vis de l'Iran", avait-elle expliqué sur Instagram, regrettant que de "jeunes Iraniens épris de liberté, des dissidents, des artistes, se voient refuser des visas"

PARIS: L'artiste franco-iranienne Marjane Satrapi, qui s'est fait mondialement connaître avec la bande dessinée et le film "Persepolis", est décédée à Paris à l'âge de 56 ans, a appris l'AFP jeudi auprès de son entourage.

"Marjane Satrapi morte de tristesse un peu plus d'un an après le décès de Mattias Ripa, son mari et l'amour de sa vie", indique un communiqué de ses proches transmis à l'AFP. Producteur, acteur et scénariste, Mattias Ripa est mort le 8 avril 2025.

Exilée en France depuis 1994, naturalisée française en 2006, Marjane Satrapi avait connu la consécration avec la saga autobiographique "Persepolis" dans laquelle elle racontait son enfance en Iran sous le joug des mollahs, la répression subie par le peuple iranien et son douloureux départ vers l'Europe.

Primé en 2001 au festival de BD d'Angoulême, le premier volet avait été suivi de trois autres et porté à écran par Marjane Satrapi en 2007, avec Vincent Paronnaud à la co-réalisation, décrochant le prix du jury du festival de Cannes en 2007. "Même si ce film est universel, je tiens à le dédier à tous les Iraniens", avait alors déclaré Marjane Satrapi, qui a, ces dernières années encore, dénoncé les agissements de la République islamique d'Iran.

En 2005, un autre de ses albums situé en Iran, "Poulet aux Prunes", avait décroché le prix du meilleur album à Angoulême et Marjane Satrapi avait également co-réalisé son adaptation au cinéma en 2011 avec, au casting Mathieu Amalric, Edouard Baer, Maria de Medeiros.

Adversaire acharnée des autorités de Téhéran, Marjane Satrapi avait refusé la Légion d'honneur française en 2025 pour dénoncer "l'attitude hypocrite de la France vis-à-vis de l'Iran", qui connaissait alors une nouvelle vague de répression.

"Depuis un moment, j'ai réellement du mal à comprendre la politique de la France vis-à-vis de l'Iran", avait-elle expliqué sur Instagram, regrettant que de "jeunes Iraniens épris de liberté, des dissidents, des artistes, se voient refuser des visas".

"Le refus de la Légion d'honneur n'est en aucun cas une action ou une pensée contre la France. Bien au contraire, j'aime profondément ce pays qui est le mien", avait-elle précisé.

Son compte Instagram portait la trace du chagrin causé par la perte de son mari en 2025. Réparti sur plusieurs posts, un message proclamait ainsi: "I Lost the love of my life" (j'ai perdu l'amour de ma vie).