2020: Les musées à l’épreuve de la pandémie

Des visiteurs portant des masques faciaux marchent dans une allée du musée du Louvre, désertée par les touristes en raison de la pandémie de la Covid-19, à Paris, le 14 octobre 2020. (AFP)
Des visiteurs portant des masques faciaux marchent dans une allée du musée du Louvre, désertée par les touristes en raison de la pandémie de la Covid-19, à Paris, le 14 octobre 2020. (AFP)
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Publié le Dimanche 03 janvier 2021

2020: Les musées à l’épreuve de la pandémie

  • 90 % des institutions muséales, soit plus de 85 000 à travers le monde, ont fermé leurs portes pendant la crise
  • Comme le contact avec le public est essentiel, de nombreux musées ont tenté de s’adapter à la situation nouvelle en proposant un contenu numérique de leurs collections

Dans son ensemble, le secteur est durement touché par la pandémie de la Covid-19. La fermeture des musées et l’impossibilité des rencontres à cause des mesures sanitaires ont privé la population d’un accès physique aux musées et considérablement pesé sur les revenus des professionnels de ce secteur. 90 % des institutions muséales, soit plus de 85 000 à travers le monde, ont fermé leurs portes pendant la crise. Aujourd’hui, ces institutions restent confrontées à des défis complexes qui devraient perdurer en 2021.

De lourdes pertes

«Difficile», c’est le terme employé par Peter Keller, directeur général du Conseil international des musées (Icom) pour décrire la situation que traversent actuellement les musées et les professionnels du secteur. «Mais les situations sont contrastées et diffèrent selon la situation géographique des établissements et leur modèle économique», explique-t-il.

Ainsi, selon les résultats de l’enquête effectuée par l’Icom à l’automne 2020, «44 % des musées dont les chiffres dépendent de la billetterie ou des ventes en boutique et non du financement public s’attendent à une diminution de leurs revenus de 50 %».

«À titre d’exemple, en France, ce sont les grands musées qui dépendent du tourisme international qui souffrent le plus, et leur modèle économique repose essentiellement sur des recettes propres (billetterie, boutiques, restaurants, mécénat)», souligne M. Keller. Le musée le plus célèbre au monde, le Louvre, qui a enregistré 40 millions d’euros de pertes sèches pendant le confinement, a vu sa fréquentation baisser de 75 % en juillet et de 60 % en août par rapport aux deux mois correspondants de 2019.

Un visiteur regarde les sacs exposés lors d'un aperçu presse de la prochaine exposition « Bags: Inside Out » au musée Victoria and Albert (V&A) à Londres le 9 décembre 2020. (AFP)
Un visiteur regarde les sacs exposés lors d'un aperçu presse de la prochaine exposition « Bags: Inside Out » au musée Victoria and Albert (V&A) à Londres le 9 décembre 2020. (AFP)

Mais si la situation des établissements français peut paraître compliquée, «celles des musées outre-Atlantique, au Moyen orient et en Afrique est bien plus difficile», poursuit le directeur de l’Icom. Dans une enquête publiée le 17 novembre par l’Alliance américaine des musées (AAM), les institutions muséales du pays auraient perdu, en moyenne, 850 000 dollars (1 dollar = 0,82 euro), soit un total de 29,75 milliards de dollars.

En Europe, globalement la situation reste meilleure. Les musées français pourront compter sur un soutien des pouvoirs publics. Le 3 septembre, le ministère de la Culture a annoncé une enveloppe de 334 millions d’euros pour la reprise d’activité des musées en difficulté.

Même au Royaume-Uni, le ministre britannique de la Culture, Oliver Dowden, a annoncé une aide de 100 millions de livres (1 livre sterling = 1,11 euro) aux 15 musées nationaux, fragilisés par la pandémie de Covid-19. Mais ce soutien semble soumis à condition. Dans un courrier envoyé aux directeurs des musées et révélé par l’Art Newspaper, le ministre leur demande d’avoir une approche aussi commerciale que possible. Notamment en monétisant leur offre numérique. C’est ce que la National Gallery à Londres a annoncé le 20 novembre 2020, en proposant une visite vidéo payante de son exposition en cours, mais non accessible pour cause de Covid-19. Une démarche mal accueillie par le public.

Professionnels en difficulté

Quant au personnel muséal, lui aussi a souffert. «Selon 14 % des personnes interrogées, une partie du personnel a été placé en chômage partiel ou licenciée. En outre, pour 16,2 % des sondés, au moins un quart du personnel des musées a été licencié ou mis à pied entre février et septembre 2020 à la suite de la crise», affirme Peter Keller. Il faut également noter une fragilité particulière du free-lance: «40,9% des personnes interrogées ont déclaré qu’elles devront suspendre le paiement de leur propre salaire en raison de la crise», explique-t-il.

Travailler, malgré tout

Pourtant, nombre d’entre eux, comme le musée du Quai Branly-Jacques-Chirac, ont maintenu certaines de leurs activités. «Certes il n’y avait pas de public, mais la vie a continué à l’intérieur des portes du musée. Nous avons régulièrement organisé des veilles sanitaires dans les salles permanentes du musée et dans les réserves. De nombreux objets ont été acquis, certains ont même été préemptés dans des ventes publiques. Nous avons également continué le travail de correction et d’enrichissement scientifique des fiches informatiques des objets dans la base de données», affirme Hana Chidiac, responsable des collections Afrique du Nord et Proche-Orient.

Défis numériques et techniques

Comme le contact avec le public est essentiel, de nombreux musées ont tenté de s’adapter à la situation nouvelle en proposant un contenu numérique de leurs collections. Ils ont fait preuve d’inventivité et ont lancé des actions originales. À Genève, les musées proposent des webséries, des feuilletons digitaux, des activités ludiques à la maison pour les enfants. À Saint-Pétersbourg, le musée de l’Ermitage propose une visite virtuelle de cinq heures de ses 45 galeries et de ses 588 chefs-d’œuvre filmés d’une traite et sans public. À l’occasion de la Journée internationale des musées, le Musée national au Liban a lancé une campagne virtuelle de sensibilisation au coronavirus en utilisant les objets archéologiques du musée. En France, le musée du Quai Branly révèle, en trois épisodes vidéo, les mystères de la civilisation olmèque, exposée dans ses salles. Au Centre Pompidou, le jeu vidéo Prisme7 propose d’interagir avec 40 œuvres. Les musées néerlandais ont lancé VanGoghWorldwide, une plate-forme numérique qui regroupe 1 000 œuvres de Van Gogh.

Les visiteurs du musée voient la crèche baroque napolitaine du XVIIIe siècle et l'arbre de Noël traditionnel au Metropolitan Museum of Art le 21 décembre 2020 à New York City. (AFP)
Les visiteurs du musée voient la crèche baroque napolitaine du XVIIIe siècle et l'arbre de Noël traditionnel au Metropolitan Museum of Art le 21 décembre 2020 à New York City. (AFP)

Mais le succès de toutes ces offres numériques s’est déjà un peu essoufflé lors du deuxième confinement: le «public virtuel» s’est lassé. Et les offres sont gratuites dans la majorité des cas. Ce qui, selon les spécialistes, est peu rentable et connaît des limites, car l’expérience du vécu reste inhérent à la vocation des musées: «Le fait d’avoir accès à des œuvres d’art, à des objets, à des documents en vrai, devant soi, est irremplaçable. Le numérique est un plus. En ce moment, sur les court et moyen termes, ça peut aller, mais si le virtuel va certainement enrichir l’offre, il ne la remplacera jamais dans la durée lorsque la situation sera revenue à la normale», confie Peter Keller.

Expositions itinérantes ajournées

Aussi, d’autres obstacles de taille semblent modifier et ralentir l’offre muséale. Les professionnels prennent conscience de la difficulté de faire voyager les œuvres: transports bloqués, coûts additionnels, risque de circulation du virus, problèmes de conservation. Les expositions itinérantes dont l’un des objectifs est de renouveler la relation avec les visiteurs sont de facto ajournées. «Nous faisons face à des difficultés dans la programmation. Il est très difficile de se projeter alors qu’il n’y a aucune visibilité dans la durée. Une exposition se prépare longtemps à l’avance – parfois jusqu’à deux ans. Cette année, nous avons annulé une exposition et en avons décalé trois autres sans savoir si nous pourrons les reprogrammer en 2021», déclare Zeina Arida, directrice du musée Sursock à Beyrouth.

Aujourd’hui, il y a une nouvelle réflexion autour des grandes expositions. «Il est vrai qu’elles récoltent des fonds, mais, en contrepartie, elles engendrent de lourds coûts financiers. Dorénavant, le choix des expositions sera plus raisonnable, et les objets effectueront moins de déplacements», déclare Anne-Marie Afeiche directrice générale du Conseil général des musées au Liban. «En 2021, un frein sera certainement mis aux grandes expositions coûteuses partout dans le monde, tandis que les collections permanentes pourraient être mieux mises en valeur. Tout cela en attendant la fin de la crise, bien entendu», ajoute-t-elle.

Le musée Sursock de Beyrouth dans le quartier d'Achrafieh se tient sans ses vitraux le 7 août 2020, brisé lorsqu'une explosion massive a ravagé des quartiers entiers de la capitale libanaise trois jours plus tôt. (AFP)
Le musée Sursock de Beyrouth dans le quartier d'Achrafieh se tient sans ses vitraux le 7 août 2020, brisé lorsqu'une explosion massive a ravagé des quartiers entiers de la capitale libanaise trois jours plus tôt. (AFP)

Il reste à savoir comment la situation va évoluer. De toute évidence, la tournure que prend la crise sanitaire n’augure rien de bon pour les prochains mois, voire pour toute l’année à venir. «Mais sur le long terme – à partir de 2023-2024 –, je reste optimiste», avance Peter Keller. «Le monde des musées avance aujourd’hui à pas mesurés, en gardant en tête que notre équilibre reste précaire et que nous devons nous réinventer pour garder une activité, sur site ou en ligne

Pour Anne-Marie Afeiche, «il est nécessaire de garder les musées disponibles au public. Et surtout ne pas oublier le rôle fondamental que jouent ces institutions dans nos sociétés. Elles préservent non seulement notre patrimoine commun, mais fournissent également des espaces qui promeuvent l’éducation, l’inspiration et le dialogue. Enfin, elles sont des lieux de résilience et d’appréciation du beau à toute époque», conclut-elle.


À l’IMA, deux historiens s’accordent: la Palestine n’est pas un conflit mais une guerre coloniale

Devant un amphithéâtre comble, l’historien palestino-américain Rashid Khalidi et le professeur émérite Henry Laurens ont échangé pendant près de deux heures, à l’invitation de l’Institut du Monde Arabe à Paris (IMA), autour du thème « Écrire l’histoire de la Palestine ». (IMA)
Devant un amphithéâtre comble, l’historien palestino-américain Rashid Khalidi et le professeur émérite Henry Laurens ont échangé pendant près de deux heures, à l’invitation de l’Institut du Monde Arabe à Paris (IMA), autour du thème « Écrire l’histoire de la Palestine ». (IMA)
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  • Ce que l’on appelle communément « conflit israélo-palestinien » est en réalité, selon Khalidi, une guerre coloniale inscrite dans la longue durée, dont les Palestiniens seraient la cible depuis plus d’un siècle
  • Dès les premières minutes, le ton est donné : Khalidi récuse l’idée d’un affrontement symétrique entre deux peuples. Selon lui, cette grille de lecture masque l’asymétrie du rapport de force entre les parties impliquées

PARIS: Devant un amphithéâtre comble, l’historien palestino-américain Rashid Khalidi et le professeur émérite Henry Laurens ont échangé pendant près de deux heures, à l’invitation de l’Institut du Monde Arabe à Paris (IMA), autour du thème « Écrire l’histoire de la Palestine ».

D’emblée, une grande complicité et une admiration réciproque se dégagent entre Laurens, spécialiste du monde arabe et auteur de l’ouvrage intitulé « Question juive, problème arabe », et Khalidi, de passage à Paris à l’occasion de la publication en français de « Cent ans de guerre contre la Palestine », paru aux États-Unis en 2020.

IMA

C’est ce lien personnel entre les deux intervenants qui a donné lieu à un dialogue fluide, dense mais sans concessions, qui ne se contente pas de revisiter l’histoire, mais propose un changement de regard.

IMA

Ce que l’on appelle communément « conflit israélo-palestinien » est en réalité, selon Khalidi, une guerre coloniale inscrite dans la longue durée, dont les Palestiniens seraient la cible depuis plus d’un siècle.

Dès les premières minutes, le ton est donné : Khalidi récuse l’idée d’un affrontement symétrique entre deux peuples. Selon lui, cette grille de lecture masque l’asymétrie du rapport de force entre les parties impliquées.

Il ne s’agit pas simplement d’une rivalité nationale entre deux peuples vivant sur une même terre, mais d’un projet d’implantation soutenu par des puissances extérieures, inscrit dans une logique coloniale classique.

Loin d’être un accident de l’histoire, ce processus répond à une dynamique structurée, progressive et profondément politique, dont le moment fondateur reste la Déclaration Balfour.

Avec le soutien du Royaume-Uni à l’établissement d’un « foyer national juif » en Palestine, cette déclaration transforme une aspiration politique en projet réalisable. Khalidi insiste : sans cet appui impérial, le mouvement sioniste n’aurait pas pu s’imposer de cette manière. Il rappelle les démarches antérieures de Theodor Herzl auprès des grandes puissances, restées infructueuses, jusqu’à ce que Chaim Weizmann obtienne le soutien britannique.

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Les deux historiens convergent pleinement : le rôle des puissances étrangères est central, hier comme aujourd’hui. (Arlette Khouri)

À cette lecture, Henry Laurens n’oppose pas un refus, mais une mise en perspective. Il propose de remonter à 1908, moment charnière où émergent à la fois une conscience politique palestinienne et les premières tensions ouvertes autour de la présence sioniste.

Laurens insiste sur un point fondamental : le conflit est international dès l’origine. Il ne se joue pas seulement sur le territoire de la Palestine mandataire, mais aussi dans les capitales européennes, au sein des institutions internationales et, plus tard, dans les équilibres de la guerre froide.

Sur ce point, les deux historiens convergent pleinement : le rôle des puissances étrangères est central, hier comme aujourd’hui. La période du mandat britannique illustre parfaitement cette imbrication, notamment à travers la répression des révoltes palestiniennes — en particulier celle de 1936-1939 — menée en grande partie par les forces britanniques.

Pour Khalidi, cela confirme que la guerre n’oppose pas seulement deux acteurs locaux, mais qu’elle met en jeu une alliance entre projet sioniste et puissance impériale.

Laurens souligne pour sa part un aspect lié au langage : la Déclaration Balfour ne mentionne pas les Palestiniens en tant que peuple, évoquant simplement des « communautés non juives ». De même, le mandat britannique parle des « indigènes », un vocabulaire qui traduit une invisibilisation politique caractéristique des contextes coloniaux. Selon lui, le peuple palestinien, en tant que sujet politique, mettra des décennies à être reconnu comme tel, y compris dans le monde arabe.

Les deux historiens s’accordent également à souligner la coexistence de ruptures et de continuités. Les accords d’Oslo, par exemple, apparaissent comme un moment charnière.

Pour Khalidi, ils constituent à la fois une rupture — avec la reconnaissance mutuelle entre Israël et l’OLP — et l’aboutissement d’un processus engagé dès les années 1970, lorsque les dirigeants palestiniens prennent acte de l’impossibilité d’une solution militaire régionale.

Cette tension entre continuité et rupture se retrouve dans l’analyse des événements les plus récents. Le 7 octobre 2023 marque, selon Khalidi, une rupture par l’ampleur de la violence et le nombre de victimes, tout en s’inscrivant dans une logique ancienne de confrontation.

Double regard

Ce double regard permet d’éviter les simplifications et rappelle que, si rien n’est totalement nouveau, rien n’est strictement identique non plus.

Ainsi, la figure de l’ancien président palestinien Yasser Arafat illustre bien cette complexité. À la fois acteur de la lutte et artisan de compromis, il incarne une période où un certain équilibre interne était encore possible. Sa disparition marque une rupture majeure.

Laurens souligne qu’il était sans doute le seul capable d’éviter une guerre civile palestinienne. Celle-ci éclatera quelques années plus tard, opposant notamment le Hamas à l’Autorité palestinienne, accentuant la fragmentation déjà profonde des rangs palestiniens.

Cette fragmentation constitue l’un des obstacles majeurs à l’écriture d’une histoire cohérente. À ce propos, Khalidi insiste sur l’absence d’archives nationales centralisées, conséquence directe de la dispersion du peuple palestinien.

L’historien doit alors recomposer le récit à partir de sources éparses : archives familiales, témoignages, documents internationaux. Il évoque aussi, plus personnellement, le recours à sa propre expérience — une démarche inhabituelle dans son parcours académique, mais rendue nécessaire par les lacunes documentaires.

Enfin, l’échange s’ouvre sur le présent et ses évolutions. Khalidi observe un changement notable dans l’opinion publique occidentale, en particulier aux États-Unis, où les mobilisations étudiantes, les débats académiques et les campagnes de boycott ont contribué à transformer le regard porté sur la Palestine.

Mais cette évolution s’accompagne, selon lui, d’une réaction tout aussi forte : une restriction croissante de la liberté d’expression, qu’il n’hésite pas à comparer au climat du maccarthysme.

Le dialogue s’achève sur une question plus large : que révèle la question de la Palestine pour le monde contemporain ?

Pour Khalidi, elle constitue l’un des derniers avatars d’une histoire coloniale que l’on croyait révolue. Pour Laurens, elle reflète un conflit profondément inscrit dans les dynamiques internationales.


Chez le chef français Alain Passard, le végétal radical

Le chef français triplement étoilé Alain Passard, devenu depuis août le seul de cette lignée à ne cuisiner que des végétaux, rêve que l'on "fasse de la place" dans la haute gastronomie française à cette cuisine disruptive. (AFP)
Le chef français triplement étoilé Alain Passard, devenu depuis août le seul de cette lignée à ne cuisiner que des végétaux, rêve que l'on "fasse de la place" dans la haute gastronomie française à cette cuisine disruptive. (AFP)
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  • "Ça n'existait pas, un grand chef qui fait sans le beurre, la crème, les œufs", dit d'emblée le mythique chef
  • "Cet été, j'ai compris que j'étais prêt, culinairement, mentalement", poursuit à l'AFP le cuisinier de 70 ans

PARIS: Le chef français triplement étoilé Alain Passard, devenu depuis août le seul de cette lignée à ne cuisiner que des végétaux, rêve que l'on "fasse de la place" dans la haute gastronomie française à cette cuisine disruptive.

"Ça n'existait pas, un grand chef qui fait sans le beurre, la crème, les œufs", dit d'emblée le mythique chef.

"Cet été, j'ai compris que j'étais prêt, culinairement, mentalement", poursuit à l'AFP le cuisinier de 70 ans, quelques mois après avoir annoncé tourner une page dans l'histoire de son mythique restaurant parisien l'Arpège, ouvert il y a 40 ans dans le quartier des ministères.

La protéine animale était déjà devenue discrète dans les assiettes du chef, qui avait banni la viande rouge en 2001. Alain Passard, qui avait pourtant bâti sa carrière et sa réputation sur la grande tradition de la rôtisserie française, se disait "dés-inspiré".

Sa nouvelle religion, il la fonde depuis 2001 en cultivant ses potagers privés à travers la France, et dans la saisonnalité.

"La nature a tout écrit. Par exemple, le poireau en hiver, c'est un produit de la nature fait pour réchauffer. Une tomate, c'est un verre d'eau, c'est fait pour désaltérer", assure-t-il, l'œil bleu pétillant.

En cuisine, une heure avant le service, c'est l'heure des "potions magiques" : six chaudrons et casseroles, remplies à ras bord de légumes, fanes, herbes, jus et réductions, viennent former le rituel de base de cette cuisine végétale.

Bien-être animal 

En maître des lieux, le "consommé" : une marmite de 10 litres d'un peu tous les végétaux de saison, avec "très peu d'eau, à niveau", la manne qui viendra délayer et faire vivre les sauces du midi.

Ce jour-là, cela viendra nourrir un consommé de céleri, qui fait presque sentir la viande ou une sauce au vin jaune, grasse, épaisse, à en rappeler le beurre, et un velouté de cresson bien iodé, sans avoir jamais connu la moindre goutte d'eau de mer.

Dans la nouvelle cuisine d'Alain Passard, très peu d'épices. Aucune "poudre de perlimpinpin", dit-il, peu de condiments et, en dehors des légumes, feuilles et fruits du potager, quasiment pas de céréales ou légumineuses.

Alain Passard plonge dans cet inconnu au moment exact, l'été dernier, où le seul chef triplement étoilé vegan au monde, Daniel Humm, à New York, remet la protéine au menu.

"Le moment est bon, la société est réceptive au respect des saisons, à la lutte contre le gaspillage alimentaire ou le bien-être animal", répond Alain Passard.

"Mais ce n'est pas politique, c'est artistique", ajoute le patron de l'Arpège, collectionneur d'art et peintre à ses rares heures perdues.

Nouvelles bases 

Mais dans la profession, ce modèle de restaurateur indépendant qui travaille seul et ne quitte jamais son établissement, devient parfois incompris. "Ils ne m'ont pas épargné : à la cérémonie du (guide gastronomique) Michelin, il y en a que je connais depuis 40 ans qui ont refusé de me saluer", dit-il en serrant les lèvres.

"Ce n'est pas leur conception de la cuisine", poursuit-il, alors que s'affirme en France un courant de chefs plus "identitaire", replié sur les traditions culinaires.

"Quand on va chez Alain, il faut oublier tout ce que l'on sait, il faut arriver vierge et être prêt à vivre quelque chose d'unique", le défend auprès de l'AFP le chef triplement étoilé Emmanuel Renaut.

En octobre, le critique Stéphane Durand-Souffland repart de l'Arpège "furieux qu'on ait essayé, moyennant une addition à 495 euros pour un couvert, de nous faire prendre des rince-doigts pour des lanternes", écrit-il dans le Figaro.

À l'AFP, il explique quelques mois plus tard avoir attendu dans le médiatique parti-pris de l'Arpège "un manifeste, sans avoir la révolution espérée".

"Quand on change autant de paradigme, il faut remonter une cuisine, prendre d'autres bases", dit le chroniqueur, citant les traditions culinaires végétaliennes de l'Inde au Japon.

"Je suis dans ce métier depuis 40 ans, je connais ma musique, mon solfège", répond Alain Passard, persuadé qu'il faut qu'on "fasse une place" dans la cuisine française au végétalisme.


Azzedine Alaïa et Christian Dior : aux racines d’un maître tunisien de la haute couture

Le livre coïncide avec une exposition à la Fondation Azzedine Alaïa à Paris, qui se termine le 21 juin. (Avec l'autorisation de Damiani Books)
Le livre coïncide avec une exposition à la Fondation Azzedine Alaïa à Paris, qui se termine le 21 juin. (Avec l'autorisation de Damiani Books)
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  • Le livre met en lumière un dialogue esthétique et technique entre Alaïa et Dior, fondé sur une vision commune de la forme et du savoir-faire
  • L’expérience fondatrice d’Alaïa chez Dior et son admiration durable ont profondément influencé son parcours et inspiré l’exposition et l’ouvrage

DHAHRAN : Le livre de table publié par Damiani, « Azzedine Alaïa et Christian Dior, deux maîtres de la haute couture », tisse avec élégance un dialogue visuel entre ces couturiers emblématiques du XXe siècle.

À travers des photographies capturant ces vêtements sculpturaux, l’ouvrage offre un festin visuel d’une grande élégance, ponctué de quelques pages de textes soigneusement sélectionnés.

Disponible uniquement en anglais, le livre, paru ce mois-ci, se lit aisément, avec une préface de l’éditrice et galeriste italienne Carla Sozzani, qui écrit : « Il ne s’agit pas simplement d’un dialogue entre deux maîtres de la haute couture, mais d’un retour à une origine profondément humaine et formatrice.

Christian Dior et Azzedine Alaïa ont développé un langage commun fondé sur une discipline intérieure et un respect de la forme, un langage qui a inspiré, inspire encore et continuera d’inspirer des générations. » 

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Le livre est sorti le 21 avril. (Publié par et avec l’autorisation de Damiani Books)

D’autres éclairages sont apportés par des figures telles qu’Olivier Saillard, historien de la mode français et directeur de la Fondation Azzedine Alaïa, ainsi qu’Olivier Flaviano, directeur de La Galerie Dior depuis son inauguration en 2022, entre autres.

L’ouvrage présente également 70 pièces textiles impeccablement mises en scène, issues des archives des années 1950 et conservées à la Fondation Alaïa.

L’histoire commence en Tunisie, où le jeune Alaïa (1935-2017) découvre pour la première fois les créations de Dior (1905-1957) en feuilletant des magazines de mode français fournis par Madame Pinault, une sage-femme locale qui l’avait pris sous son aile.

Fils d’agriculteurs céréaliers, Alaïa est envoyé vivre chez ses grands-parents avec sa sœur jumelle, Hafida. À 15 ans, il ment sur son âge pour intégrer l’Institut des Beaux-Arts de Tunis en tant qu’apprenti sculpteur.

Il finance ses études en aidant une couturière qui vendait des reproductions de créations de grands couturiers parisiens à une clientèle tunisienne aisée.

Encouragé par Habiba Menchari, figure de l’émancipation féminine en Tunisie, il approche Madame Zeineb Levy-Despas, cliente de la maison Dior alors dirigée par Yves Saint Laurent, qui lui obtient un stage intensif de quatre jours à la Maison Dior.

En juin 1956, Alaïa, âgé de 21 ans, arrive dans l’atelier de Christian Dior, alors âgé de 51 ans, situé rue François 1er, au cœur du Triangle d’Or, épicentre du luxe parisien.

Bien que trois décennies les séparent, leurs esthétiques et leurs silhouettes présentent des similitudes, renforcées par leur goût intemporel.

Tous deux discrets, ils étaient fascinés par un artisanat minutieux et somptueux, laissant leurs œuvres — véritables sculptures à porter — s’exprimer d’elles-mêmes. Ils partageaient un goût pour les textures, les constructions ingénieuses et une architecture du vêtement à la fois douce et puissante.

Cette expérience brève mais fondatrice — ainsi que des décennies de collection des chefs-d’œuvre de Dior — a largement contribué à cette exposition.

Si l’exposition à la Fondation Azzedine Alaïa à Paris s’achève le 21 juin, près de 70 ans après ce stage, les images et les chefs-d’œuvre détaillés présentés dans le livre, eux, perdureront toute une vie. 

Ce texte est la traduction d’un article paru sur Arabnews.com