RIYAD : Le 8 février, la maison de vente aux enchères Sotheby's organisera la vente "Origins" à Riyad. Cette vente est présentée comme "la première vente aux enchères internationale de l'histoire de l'Arabie saoudite". De nombreux lots ont déjà été présentés dans le cadre de l'exposition d'une semaine à la Bujairi Terrace de Diriyah, qui s’achèvera demain.

Ashkan Baghestani, responsable des ventes d'art contemporain de Sotheby's à New York et au Moyen-Orient, nous présente quelques-unes des œuvres d'art mises en vente dans le cadre de la vente "Origins".

Abdulhalim Radwi

« Untitled »

Il a joué un rôle déterminant dans le développement du modernisme saoudien, aux côtés de Mohammed Alsaleem et de quelques autres figures de proue. Il a été l'un des premiers artistes à être envoyé par le Royaume pour étudier en Europe, et il est l'un des rares artistes à mélanger les traditions européennes, comme le cubisme et l'expressionnisme, avec les traditions saoudiennes. À mon avis, il est l'un de mes modernistes saoudiens préférés, peut-être en raison de ses influences européennes. Cette œuvre particulière n'a pas été vue depuis les années quatre-vingt. Le propriétaire actuel l'a acquise directement auprès de l'artiste lui-même. Nous avons choisi cette œuvre parmi plusieurs autres qui nous ont été proposées parce que nous avons trouvé qu'elle décrivait vraiment la culture saoudienne et que la palette de couleurs était assez rare chez Radwi. On voit beaucoup de ses œuvres avec des teintes bleues ou vertes, mais rarement avec du rouge.

Monir Farmanfarmaian

« Variations of Hexagon »

Personne n'a créé d'œuvres comme Monir - mêlant l'abstraction occidentale aux traditions persanes - elle est tellement unique. Une grande partie de sa pratique et de sa technique s'inspire de l'artisanat persan traditionnel que l'on trouve dans les mosquées et les palais depuis l'ère Safavide jusqu'à l'ère Qajar. La technique spécifique s'appelle aina-kari, c'est-à-dire le travail du miroir. Elle a donc introduit certaines de ces techniques américaines sophistiquées de construction, d'architecture et de sculpture dans l'artisanat persan traditionnel avec des miroirs comme celui-ci.

René Magritte

« L'État de Veille »

Magritte est peut-être le surréaliste européen le plus célèbre. Il a battu des records saison après saison. Il est d'origine belge. Il est mort en 1967. Cette œuvre date de 1958, donc plus tard dans sa carrière, mais elle est très influencée par ses motifs les plus emblématiques - le mélange de l'architecture et de l'environnement. Il s'agit d'une gouache qui représente un ciel bleu vif parsemé de nuages cotonneux et ce qui semble très proche de vieilles façades belges. Il y a toujours cette idée de trompe-l'œil chez Magritte, où l'on ne sait pas vraiment ce que l’on ne regarde ni quand on le regarde. 

Refik Anadol

« Machine Hallucinations : Mars »

Anadol adopte les nouvelles technologies, mais ses œuvres sont profondément centrées sur l'homme, explorant les émotions et l'interaction entre les personnes et leur environnement. "Machine Hallucinations" est son œuvre la plus célèbre. En collaboration avec la NASA, il a introduit des millions d'images provenant de satellites et de vaisseaux spatiaux de l'espace lointain dans un algorithme qui a généré ces images qui se transforment constamment et qui transcendent toute compréhension de ce que nous voyons. Elles sont extrêmement abstraites. Elles sont également très spirituelles. Elles sont en constante évolution. Celle-ci mélange des images de la Station spatiale internationale, du télescope Hubble et de la sonde Mars Reconnaissance Orbiter. L'une des raisons pour lesquelles je voulais vraiment une œuvre d'art numérique est que je pensais que c'était un clin d'œil parfait à un pays qui est fortement investi non seulement dans de nombreuses formes d'art traditionnel, mais aussi dans l'art du futur. 

Louay Kayyali

« Then What ?? »

Il s'agit probablement de l'œuvre moderne arabe la plus importante jamais vendue aux enchères. C'est un moment très important pour nous et pour le marché. Kayyali est considéré comme l'un des artistes les plus socialistes de la région, aux côtés de Mahmoud Sabri, et il s'était vraiment engagé à représenter des "gens normaux". La Naqba - l'exil des Palestiniens - l'a profondément révolté et ému, et le titre de cette peinture pose la question suivante : « Après l'exil, que reste-t-il ? ». Il y a une vraie profondeur psychologique et une vraie division dans la toile. À gauche, le regard tourné vers le passé, et à droite, le regard tourné vers Dieu et l'avenir.

Asim Abu Shakra

« Untitled »

Abu Shakra est mort à l'âge de 28 ans. Il a consacré une grande partie de sa vie à peindre un cactus, et ses œuvres demeurent imprégnées de ces couleurs terreuses : verts, bruns, gris. Elles ont un certain ton nostalgique. Les coups de pinceau sont soudains, très spontanés. Ils s'installent en quelque sorte dans le néant. Abu Shakra vivait en Israël en tant qu'artiste arabe, il y a donc cette analogie avec un cactus qui survit dans des conditions arides dans le désert, sans beaucoup d'aide. Il n'a pas besoin de beaucoup d'eau. Il a des aiguilles qui le protègent des agressions extérieures. C'est un symbole de dislocation et d'endurance, mais aussi une réflexion profondément personnelle sur la mortalité de l'artiste. Le cactus offre de l'espoir car certains produisent des fleurs lorsqu'ils sont sur le point de mourir, ce qui est une belle analogie.  

Fernando Botero

« Society Woman »

Botero a transcendé toutes les lignes directrices générationnelles et toutes les régions géographiques, car il s'adresse à un public très large. Ses œuvres sont devenues emblématiques dans les années quatre-vingt-dix. Elles sont faciles et ludiques, mais ce sont aussi des peintures sérieuses. Botero s'ancre dans la tradition des vieux maîtres, mais leur donne une tournure : la plupart de ses peintures et sculptures sont toujours un peu gonflées. Indépendamment de la taille et de l'échelle, elles ont une posture élégante et imposante. Il a montré que même si l'on est voluptueux, on peut avoir de la grâce, de la féminité, de l'assurance et célébrer ses rondeurs. Il souligne souvent le contraste entre la douce sensualité du corps et les qualités sculpturales de la forme humaine. Il a vraiment reconsidéré les idéaux conventionnels de beauté et de proportion. 

Ce texte est la traduction d’un article paru sur Arabnews.com

DOHA: L'artiste français Patrick Tresset, basé à Bruxelles et connu pour intégrer la robotique dans son art, présente une installation qui incite à la réflexion, intitulée «Time to Read», dans le cadre de l'exposition «Ai or Nay? Artificial vs. Intelligent» au Qatar.

L'exposition, qui se tient au Media Majlis Museum de la Northwestern University jusqu'au 15 mai, s'attarde sur la relation entre l'intelligence artificielle et la créativité humaine à travers les œuvres de plus de 20 artistes régionaux et internationaux.

«Time to Read» invite les visiteurs à s'asseoir et à lire un livre pendant 30 minutes, tandis que deux bras robotisés dessinent leur portrait. Les portraits qui en résultent font partie d'une collection mondiale qui comprend désormais plus de 50 000 dessins créés par des installations similaires dans le monde entier.

«L'idée est née lors d'un déjeuner avec le directeur d'une galerie à Paris», a expliqué M. Tresset à Arab News. «Nous parlions de la lecture, des réseaux sociaux et du fait que nous n'ayons plus l'attention nécessaire. Après le déjeuner, je me suis dit que je devrais faire quelque chose à ce sujet.»

La carrière de M. Tresset a pris un tournant décisif lorsqu'il est passé de la peinture traditionnelle à la robotique après avoir été confronté à un blocage créatif.

«J'étais peintre, mais à un moment donné, je me suis perdu. Tout ce que je faisais ne me convenait plus», explique-t-il. «Comme j'avais un ordinateur quand j'étais très jeune, j'ai eu l'intuition que je pouvais faire quelque chose avec des systèmes informatiques et je me suis donc tourné vers cela.»

Son travail avec la robotique a conduit à des installations telles que «Time to Read», qui intègrent des éléments de performance et d'interaction avec le public.

«J'ai réalisé le potentiel théâtral et c'est pourquoi j'ai commencé à exposer ce type d'installations où les robots sont des acteurs. C'est une performance. C'est une installation artistique. C'est un dessin», a-t-il déclaré.

En ce qui concerne les implications de la technologie dans le domaine de la création, M. Tresset a déclaré: «Un stylo est une technologie, tout comme un marteau – vous pouvez les utiliser de manière constructive ou destructive.»

Avec «Time to Read», a-t-il ajouté, il a voulu montrer comment la technologie peut nous aider à réfléchir, à nous reconnecter et à ralentir.

Ce texte est la traduction d’un article paru sur Arabnews.com

RIYAD : Le Festival du Conte de Diriyah s'impose comme un événement culturel majeur, réunissant écrivains, éditeurs et passionnés de littérature autour du riche patrimoine narratif saoudien et de son évolution contemporaine.

Cette manifestation, qui se déroule jusqu'au 8 février, propose un programme diversifié: tables rondes, séances de dédicaces, performances artistiques et ateliers interactifs, attirant aussi bien le public local qu’international.

L'une des sessions phares, "Les Racines du Conte", a mis en vedette la célèbre romancière et journaliste saoudienne Badryah Al-Bishr, qui a évoqué la transformation du conte en littérature moderne.

"Mon travail examine comment la sagesse des contes populaires s'est transformée en structure romanesque", a-t-elle expliqué. "Ces récits ont toujours joué un rôle fondamental dans nos sociétés, qu'il s'agisse d'éduquer les enfants, d'apaiser les cœurs ou de transmettre des valeurs."

"C'est ce que nous appelons aujourd'hui le 'soft power'", poursuit-elle. "Les contes ont façonné les esprits à travers les cultures, comme en témoigne l'histoire de Cendrillon, que l'on retrouve de la Russie à l'Europe, jusqu'au Najd."

L'événement met particulièrement l'accent sur l'accessibilité de la littérature saoudienne aux visiteurs internationaux, proposant des traductions et des éditions accessibles d'œuvres locales.

Modi Al-Dossari, des éditions Tashkeel, souligne: "Nous observons un intérêt croissant des visiteurs étrangers pour notre culture.  Nous travaillons sur quelque chose d'important ici au festival. Les visiteurs sont très diversifiés, y compris de nombreux étrangers désireux d'en apprendre davantage sur notre culture."
 
"Nos traductions anglaises de livres saoudiens rencontrent un vif succès, facilitant le partage de notre patrimoine culturel", a-t-il ajouté. 

Les traductions d'œuvres saoudiennes ont créé de nouveaux ponts entre les récits locaux et les lecteurs du monde entier, révélant la richesse et la dimension universelle de cette littérature.

Le festival se déploie sur trois sites emblématiques - Bujairi Terrace, l'Hôtel Bab Samhan et Al-Zuhayra - accessibles pour 40 riyals (10,66 dollars) par personne, transport inclus.

Au-delà de sa dimension littéraire, l'événement offre aux visiteurs une expérience culturelle complète et totalement immersive, leur permettant d'explorer la profondeur historique et artistique de Diriyah, avec restaurants, cafés et boutiques.

"Diriyah, et particulièrement Bujairi Terrace, offre une expérience exceptionnelle", témoigne Hind Mohammed, une visiteuse. "L'atmosphère y est vivante, entre cafés animés et espaces familiaux accueillants."

Le site lui-même participe à la magie du festival : au coucher du soleil, la lumière dorée baigne l'architecture traditionnelle, créant un cadre spectaculaire pour cet événement culturel.

Cette initiative s'inscrit dans l'essor remarquable de la scène littéraire saoudienne, qui gagne en reconnaissance internationale. Le Festival du Conte de Diriyah joue un rôle catalyseur dans cette dynamique, offrant une plateforme de dialogue, de créativité et d'échange culturel qui contribue à la valorisation de la littérature saoudienne sur la scène mondiale.

Ce texte est la traduction d’un article paru sur Arabnews.com